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Con México en mente y manos |
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Directora artística y fundadora de la Orquesta Filarmónica de las Américas, Alondra de la Parra entrega una antología que logra capturar la riqueza de estilos que los compositores mexicanos han trazado en 200 años de música. |
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Agosto 30, 2010 |
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Canciones para sacudir el alma |
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Músico ecléctico |
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Julio 30, 2010 |
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Detrás de la órbita del mito |
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un referente obligado si de comprender la historia del pop manufacturado en España se trata |
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Julio 30, 2010 |
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Bajista Olímpico |
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Nathan East es el bajista con el que estrellas como Eric Clapton, Phill Collins ó Andrea Bocelli les gusta tocar |
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Julio 01, 2010 |
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Beat atemporal |
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Nominado tres veces al Grammy, Leon Ndugu Chancler sentó el tono y el trote en los tambores de los últimos 20 años. Su trabajo es legado colectivo pues si algo hace grande un ritmo, es las veces que la gente lo revive. Eso se sintetiza en temas como “Billie Jean” del mítico álbum Thriller de Michael Jackson, donde su tempo dictó cátedra; ése que no sólo demuestra su dominio Cometa rítmico con cauda de jazz y Motown, todo lo cubre y por eso está considerado como uno de los mejores 25 bateristas del mundo. La huella de su trabajo puede rastrearse junto a la de Frank Sinatra, Miles Davis, Weather Report, Herbie Hancock, Thelonious Monk, George Duke, John Lee Hooker, Patrice Rushen, Hubert Laws, The Crusaders, Kenny Rogers, Santana y Lionel Richie. |
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Una de las grandes virtudes de Ndugu es su impecable tempo. Aunque haya dominado la técnica, su golpe y tacto están a la cabeza de las cualidades; de ahí su buen gusto. No extraña que sus arreglos rítmicos sean pinturas musicales más que sòlos de batería extremos. Su contribución a los grooves urbanos es tan grande como su presencia en el jazz, síncopas que ha ejercido profesionalmente la mayor parte de su vida.
Recientemente, el baterista cumplió más de tres décadas haciendo dupla con las baterías de Yamaha. Durante la clínica que impartió en sound:check xpo 2010 para la casa nipona, tuvimos la fortuna de platicar con el también productor y compositor.
¿Qué te ha permitido mantenerte vigente como músico?
“Para mí es claro que el instrumento ha cambiado, que la calidad del tambor ha cambiado al igual que los ritmos que se tocan. Así que, todo esto debe ser constantemente recordado por aquellos que piensan que pueden tocar. Porque, por ejemplo, el solo de batería se originó en el jazz. Originalmente, éste comenzó con la música de swing, las grandes bandas y la música de Nueva Orleáns.
El solo de batería era parte de eso y luego, una parte se combinó con el rhythm & blues (R&B), el rock y lo que vino después; pero el primer sólo de batería tenía una base de jazz. A partir de esa influencia, los bateristas empezaron a dirigirse hacia el estilo de James Brown: el baterista funky; a los Doors y de ahí, a Carlos Santana, quién empezó utilizando algunos solos de batería”.
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Dígame, ¿cuál es la diferencia entre los que inventan y los que retoman?
“Vengo de una formación jazzística. Una combinación de jazz y Rhythm & Blues. Como músicos, tratamos de crear nuestra propia voz. Yo, con el jazz de un lado y el R&B por el otro, siempre traté de crear una voz propia. No se obtiene respeto en esto si no has inventado algo tuyo; algo propio. Creo que primero deberíamos aprender de esa tradición, de los Gene Krupa, los Buddy Rich y todos aquellos que tocaron grandes solos de batería. Ahí había drum boogie, había sing-sing-sing, siempre hubo enorme material de Buddy Rich y de la orquesta de Count Basie”.
“Así fueron los primeros grandes solos porque antes era importante tener tu propia voz; para que la gente pudiera reconocerte cuando te escuchara en la grabación pues en aquellos días del jazz, los expertos eran capaces de oír los discos y darse cuenta de quiénes eran los músicos. Eso sí que era importante. De manera que en mi formación como baterista, por mucho que absorbiera de los demás, para mí era importante tener lo mío; que junto a los fundamentos de la batería y los standars que todos tocaban, yo debía tener mis propias cosas. Por eso adapté mi propio home studio y poco a poco me vi involucrado en producir cosas, actualmente hago ahí tracks de batería o percusión en compañía de gente como Patrice Rushen”.
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Junio 01, 2010 |
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Musica Interdisciplinaria |
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Heredero, o más bien coparticipe de la musicalidad que impera en su familia, Don Grusin (Denver, Colorado, 1941) hizo del piano –al igual que su hermano David- el vehículo para plasmar sus experiencias de vida. Mente ávida de conocer el proceder humano, por ello en su hoja de vida se leen los grados en sociología y economía que, añadidos a su formación como músico, compositor, arreglista y productor, han gestado el proyecto World Music Video as Catalyst for Social Change, un curso multidisciplinario del ATLAS Institute de la Universidad de Colorado que imparte alrededor del mundo y que tiene como fin crear herramientas de mercadotecnia que inciten a la acción para cambiar el panorama social.
La pasada edición del Festival Internacional de Jazz & Blues de San Miguel de Allende, puso al maestro a derrochar lo mejor del repertorio que ha creado desde mediados de la década de los años setenta, cuando se unió a las filas de la banda de Quincy Jones. De su visión integral de la cultura y cómo construye música al piano, habla el también ganador del Grammy por la producción Musican de Ernie Watts.
¿Le gusta dar clases de música?
“No soy maestro como tal, lo que hago es ayudar a músicos, en su mayoría pianistas, interesados en saber cómo hago cambios de acordes, cómo los hago funcionar, cómo toco las cadencias al final. Me gustan los estudiantes que se interesan y acepto, por lo regular, a los que están bastante avanzados, como en una clase maestra. Además, tengo un video en internet, All star music lesson, donde se muestran los pequeños detalles de cómo toco y su porqué. Ahora estoy impartiendo varios cursos en la Universidad de Colorado, donde manejo diferentes disciplinas: economía, música, cine, video y arte. Lo que estoy haciendo con mis alumnos son videos de world music como catalizador del cambio social. Ya tenemos en Brasil, Mongolia y México”.
Ha vivido en México y Venezuela, ¿musicalmente, qué aprendió?
“Primero que nada, la melodía. Cuando estaba dando clases de economía en la Universidad Autónoma de Guadalajara, empecé a escuchar el ritmo de 3/4 contra 4/4; y adoré esa combinación. La hice parte de mi, en términos de dónde marco el pie, en el tempo de 3/4 o de 4/4. Desde entonces me interesó mucho la música de Latinoamérica, como Brasil donde existe una corriente diferente, más africana; mientras que en México y el resto de hispano américa es más europea. Por eso hice una combinación de ambas”.
Cuéntenos de su disco Geography.
“Fue un álbum que grabé por partes: en mi estudio de Los Ángeles, en Inglaterra y en Colorado. Entre mis colegas y yo nos enviábamos archivos AIFF por internet. Pasamos poco tiempo juntos, pero hicimos instrumento por instrumento, y nos mandamos todo por la red”.
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¿De esa misma manera grabó el de Piano in Venice?
No, surgió cuando me mudé a Venice, California por un año. Me llevé un piano que adoro, un Yamaha de cola completa y lo toqué en una pequeña casa donde la acústica era perfecta. Fue sólo suerte. Y estaba en Venice, California, cerca de la playa, e hice las piezas solamente con los loops y samples que había reunido desde hacía tiempo. Pienso que es una hermosa grabación. Adoro ese disco”.
¿Regularmente con qué instrumentos trabaja, cuáles son sus favoritos?
“Tengo muchos pianos favoritos, pero los Steinway y Yamaha son los que más me gustan. Soy dueño de un Yamaha C7F2, que su parte baja, para las notas graves, gruñe como los tipos rudos. Adoro eso porque dependo mucho de mi mano izquierda en las notas bajas al final del piano. Lo amo. Siempre he querido a los pianos grandes. Otro de los mejores en que he tocado era un piano Steinway en La Habana. Hay un estudio llamado Abdallah y tenían ese piano que venía desde Alemania”.
¿Qué hay de los teclados y procesadores?
“Uso de todo. Ahora estoy patrocinado por Korg y Yamaha. De los primeros tengo el Triton Studio y el E8, de los nipones el Motif, aunque me estoy alejando de los sintetizadores. Quiero regresar al piano y usar samplers que he grabado con el paso de los años y que pueda disparar desde un teclado grande. Como procesador uso Lexicon, uno que viene incluido con el Logic Audio, que es mi software de grabación. Soy del equipo de pruebas de Logic desde hace mucho tiempo y ahora que se fusionaron con Apple, las cosas son más fáciles”.
¿Prefieres Logic que Protools?
“Sí, pienso que se capturan más elementos y sonidos. Tal vez Pro Tools pueda ser mejor que Logic. No estoy seguro. Pero, en ciertos tipos de música, a piano sólo, para mí Logic suena mejor. No sé pero, ya sabes, los músicos somos muy flojos. Tenemos nuestra manera de hacer las cosas y queremos continuar así porque es lo que nos ha dado éxito”.
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Junio 01, 2010 |
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Jazz latino sofisticado |
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Mayo 01, 2010 |
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Enrique Diemecke en Deutsche Grammophon |
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Mayo 01, 2010 |
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Mi influencia viene más de las atmósferas, los lugares y las películas, que de la música” |
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Marzo 31, 2010 |
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La música tradicional mexicana jamás pensó encontrarse con este dúo.
Patricia Santiago en el violín y Carlos Salomón al piano |
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Febrero 25, 2010 |
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El sublime efecto de la música |
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Riviera maya Jazz Fest, entrañable
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Enero 29, 2010 |
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La gala de los XV años |
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En esta edición de su decimo quinto aniversario este festival reunio para su festejo a figuras como Eddie Gómez, Katie Thiroux y David Sánchez Quartet entre otros. |
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Enero 29, 2010 |
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Reinauguración de la Academia (Aurora incluída) |
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Diciembre 30, 2009 |
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...para el bien tocar |
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La quinta edición de la Expo Músico Adictos que organiza casa Veerkamp |
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Noviembre 27, 2009 |
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Los 10 festivales más importantes del mundo
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Noviembre 26, 2009 |
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